Chương trình quy tụ các đạo diễn từng ghi dấu ấn tại những liên hoan phim quốc tế hàng đầu như Berlin, Cannes, Venice; đồng thời giới thiệu nhiều tiếng nói mới giàu cá tính sáng tạo.

Một trong những dòng chảy nổi bật của chương trình là sự trở lại của lịch sử và những ký ức chưa bao giờ thực sự khép lại.

Tiêu biểu là Salvation (Cứu rỗi) của đạo diễn Emin Alper. Lấy bối cảnh một ngôi làng vùng núi hẻo lánh ở Thổ Nhĩ Kỳ, bộ phim xoay quanh cuộc tranh chấp đất đai khi một bộ tộc từng bị trục xuất bất ngờ quay trở lại quê cũ. Khi những lời tiên tri, nỗi sợ hãi và sự cực đoan dần lan rộng trong cộng đồng, mâu thuẫn giữa các nhóm cư dân bị đẩy tới bờ vực bạo lực.

Thông qua câu chuyện mang màu sắc chính trị và tâm lý, tác phẩm đặt ra những câu hỏi về ký ức tập thể, sự tha thứ và trách nhiệm của con người trước lịch sử. Bộ phim đã giành giải Gấu Bạc – Giải thưởng Ban Giám khảo tại Liên hoan phim Quốc tế Berlin năm 2026.

Điện ảnh Nhật Bản góp mặt với Nagasaki: In the Shadow of the Flash (Giữa tro tàn sự sống) của đạo diễn Jumpei Matsumoto. Bộ phim tái hiện thảm kịch bom nguyên tử năm 1945 thông qua hành trình cứu giúp những người sống sót của ba nữ sinh điều dưỡng trẻ tuổi.

Thay vì tập trung vào quy mô của chiến tranh, tác phẩm lựa chọn góc nhìn của những con người bình thường giữa thảm họa, qua đó tôn vinh lòng nhân ái và ý chí sinh tồn.

Trong khi đó, Numb (Lặng câm) kể câu chuyện về một chàng trai mất khả năng nói sau tuổi thơ đầy sang chấn trở về quê hương để đối diện với những bí mật gia đình bị chôn giấu nhiều năm. Dù khác biệt về bối cảnh và cách kể chuyện, cả hai tác phẩm đều cho thấy những vết thương của quá khứ vẫn tiếp tục hiện diện trong cuộc sống hiện tại.

Nếu lịch sử là một lát cắt quan trọng của chương trình, nhiều bộ phim khác lại hướng sự quan tâm tới những tổn thương cá nhân, khoảng cách giữa con người với nhau và khát vọng tìm kiếm sự cảm thông trong đời sống hiện đại.

Với We Are All Strangers (Tình thân xa lạ), Anthony Chen tiếp tục đào sâu vào những khoảng trống cảm xúc trong đời sống đô thị. Nhân vật của anh thường sống giữa đám đông nhưng lại bị cô lập trong chính thế giới nội tâm của mình.

Sự đổ vỡ trong các mối quan hệ, cảm giác mất kết nối và nỗi cô đơn giữa thành phố hiện đại là những chủ đề đã nhiều lần xuất hiện trong các tác phẩm của đạo diễn Singapore từng giành giải Caméra d’Or tại Cannes.

Bộ phim mới nhất của anh tiếp tục cho thấy khả năng quan sát tinh tế đối với đời sống con người trong xã hội đương đại. Tác phẩm đồng thời ghi dấu khi trở thành bộ phim Singapore đầu tiên được tuyển chọn vào hạng mục Tranh giải chính thức của Liên hoan phim Quốc tế Berlin lần thứ 76

Bluefish (Gangster hoàn lương) của Hàn Quốc kể về một người đàn ông mang quá khứ bạo lực và nhiều lỗi lầm. Cuộc đời anh bắt đầu thay đổi khi gặp một cô gái câm làm nghề giao sữa, người vẫn giữ được sự lạc quan và lòng nhân hậu giữa hoàn cảnh khắc nghiệt. Từ cuộc gặp gỡ tưởng như tình cờ ấy, bộ phim của đạo diễn Lee Sang Hoon mở ra hành trình chuộc lỗi và tìm lại giá trị sống của nhân vật chính.

Đến từ Pakistan, Lali xoay quanh Zeba, người phụ nữ bị gắn cho danh xưng “cô dâu bị nguyền rủa” sau khi những vị hôn phu trước liên tiếp qua đời. Cuộc hôn nhân mới đưa cô vào vòng xoáy của bạo lực, sự kiểm soát và những ám ảnh tâm lý.

Kết hợp giữa hiện thực và yếu tố huyền ảo, bộ phim phản ánh cuộc đấu tranh của người phụ nữ trước những định kiến xã hội và các ràng buộc truyền thống.

Bên cạnh những câu chuyện mang màu sắc nội tâm, nhiều tác phẩm trong chương trình lựa chọn đối diện trực tiếp với các vấn đề xã hội đương đại như tham nhũng, khoảng cách giàu nghèo, áp lực lao động hay sự tha hóa của quyền lực.

Từng giành giải Âm thanh xuất sắc nhất và Quay phim xuất sắc nhất tại Liên hoan phim Độc lập Philippines Cinemalaya năm 2025, Raging (Dữ dội) kể về một chàng trai trẻ trên đảo Sibuyan dấn thân điều tra một vụ tai nạn máy bay bí ẩn.

Càng tiến gần đến sự thật, anh càng phát hiện những bí mật đe dọa môi trường và cộng đồng địa phương. Tác phẩm gây ấn tượng bởi không khí căng thẳng, giàu năng lượng và góc nhìn về những trăn trở của tuổi trẻ trước các biến động của xã hội đương đại

Từ Ấn Độ, Full Plate (Một bữa no) kể về Amreen, một phụ nữ Hồi giáo nghèo buộc phải trở thành trụ cột gia đình sau khi chồng gặp tai nạn. Công việc nấu ăn cho một gia đình giàu có khiến cô đối diện với khoảng cách giai cấp, định kiến giới và khát vọng tự quyết cuộc đời mình.

Nếu các bộ phim Nhật Bản nhìn về quá khứ, nhiều tác phẩm khác lại tập trung phản ánh những áp lực của xã hội đương đại. Human Resource (Nguồn nhân lực) của đạo diễn Nawapol Thamrongrattanarit mang đến một góc nhìn châm biếm về môi trường doanh nghiệp hiện đại, nơi con người ngày càng bị đánh giá như những đơn vị lao động có thể thay thế.

Bằng giọng điệu hài hước nhưng không kém phần sắc lạnh, bộ phim đặt ra câu hỏi về giá trị con người trong guồng máy kinh tế ngày càng vận hành theo logic hiệu quả và lợi nhuận. Tác phẩm từng giành Giải Premio Fondazione Fai Persona Lavoro Ambiente tại Liên hoan phim Quốc tế Venice lần thứ 82 năm 2025 và Giải FIPRESCI tại Liên hoan phim Quốc tế Singapore năm 2025.

Poor Taxi (Xế nghèo) của Trung Quốc sử dụng chất liệu hài đen để kể về một tài xế taxi nghèo cùng những hành khách mang theo các câu chuyện và nỗi niềm riêng giữa guồng quay đô thị.

Từ những cuộc gặp gỡ tình cờ, bộ phim gợi mở suy ngẫm về phẩm giá, sự đồng cảm và những con người ở bên lề xã hội. Tác phẩm từng nhận đề cử Kịch bản gốc xuất sắc nhất tại Giải Kim Mã 2025.

Para.doc (Hiện thực siêu nhiên) của Brunei là một tác phẩm found-footage theo chân một đạo diễn trẻ trong quá trình tìm kiếm chất liệu cho bộ phim kinh dị mới. Khi những hiện tượng kỳ bí liên tiếp xuất hiện, ranh giới giữa hiện thực và hư cấu dần bị xóa nhòa. Bộ phim từng giành giải Cuộc thi 96 Giờ Blitz tại Liên hoan phim Brunei lần thứ 8.

Trong bức tranh đa dạng ấy, điện ảnh Việt Nam góp mặt với hai đại diện mang những cách tiếp cận khác nhau về lịch sử, ký ức và bản sắc văn hóa.

Chiếc kén (Chrysalis) của đạo diễn J. Robert Schulz kể câu chuyện về Daniel, cậu bé rời Sài Gòn sang Hoa Kỳ sau chiến tranh và lớn lên cùng những ký ức chưa bao giờ khép lại về người bà ở quê nhà. Được xây dựng từ cuộc đời nghệ sĩ Daniel K. Winn, bộ phim là hành trình vượt qua mất mát, tìm kiếm bản sắc và biến nỗi đau thành động lực sáng tạo nghệ thuật.

Quán Kỳ Nam (Ky Nam Inn) đưa khán giả trở lại Sài Gòn năm 1985. Một dịch giả trẻ được giao chuyển ngữ cuốn Hoàng tử bé tình cờ gặp một góa phụ sống bằng nghề nấu ăn. Từ một cử chỉ giúp đỡ giản đơn, giữa họ dần hình thành một mối liên kết sâu sắc.

Với nhịp kể giàu chất thơ và không khí hoài niệm, bộ phim khắc họa vẻ đẹp mong manh của những con người cô độc đang kiếm tìm sự kết nối giữa giai đoạn nhiều biến động của xã hội Việt Nam.

Tác phẩm của đạo diễn Leon Le từng ghi dấu ấn tại nhiều liên hoan phim quốc tế với Giải thưởng Shooting Star tại Liên hoan phim Quốc tế Hawaii lần thứ 45, các giải thưởng về quay phim của Hiệp hội Quay phim Úc và Giải Phim truyện dài xuất sắc nhất thuộc hạng mục Giải thưởng đặc biệt của Ban Giám khảo tại HAAPIFEST 2026.

Từ những ký ức lịch sử, các vấn đề xã hội đương đại đến những câu chuyện về căn tính, niềm tin và sự chữa lành, 13 tác phẩm của hạng mục “Phim châu Á dự thi” đã phác họa một bức tranh nhiều sắc màu về đời sống châu Á hôm nay.

The post Hạng mục Phim châu Á dự thi tại DANAFF IV: Bức tranh nhiều sắc màu từ 13 tác phẩm appeared first on Trung tâm Điện ảnh Văn hóa, Thể thao và Du lịch Việt Nam.

DANAFF IV dự kiến diễn ra từ 28.6 đến 04.7.2026 tại TP Đà Nẵng.

Sau ba mùa tổ chức thành công, Liên hoan phim châu Á Đà Nẵng (DANAFF) do Hiệp hội Xúc tiến phát triển Điện ảnh Việt Nam (VFDA) chủ trì, phối hợp với UBND TP Đà Nẵng tổ chức, bước vào mùa thứ Tư với nhiều đổi mới về quy mô và nội dung chuyên môn.

Nếu như ba mùa trước ghi dấu ấn với thông điệp “DANAFF – Nhịp cầu châu Á”, thì năm nay, Liên hoan phim được công bố với thông điệp mới: “DANAFF – Nhịp cầu từ châu Á ra thế giới”.

Sự thay đổi này không chỉ mang tính hình thức, mà còn thể hiện tầm nhìn chiến lược trong việc mở rộng vai trò kết nối, đưa điện ảnh khu vực từng bước hội nhập sâu rộng với điện ảnh toàn cầu.

Điểm nhấn của DANAFF IV tiếp tục là hai hạng mục tranh giải chính: Phim châu Á dự thi và Phim Việt Nam dự thi. Ban Tổ chức sẽ tuyển chọn các tác phẩm xuất sắc từ khu vực châu Á cùng những phim truyện dài tiêu biểu của điện ảnh Việt Nam để tranh giải, dưới sự đánh giá của hội đồng giám khảo gồm các chuyên gia và nhà làm phim uy tín trong nước và quốc tế.

Bên cạnh các hạng mục tranh giải, liên hoan phim mang đến nhiều chương trình chiếu phim đặc sắc. Nổi bật là chương trình “Diện mạo Điện ảnh Việt Nam 40 năm Đổi mới”, giới thiệu những tác phẩm tiêu biểu phản ánh hành trình phát triển của điện ảnh Việt Nam trong suốt bốn thập kỷ qua.

Song song đó là chương trình “Tiêu điểm điện ảnh Hoa Kỳ”, mang đến cơ hội tiếp cận những di sản điện ảnh và các tác phẩm kinh điển, qua đó phác họa bức tranh điện ảnh thế giới thông qua lăng kính Hollywood.

Ngoài ra, các chương trình như “Toàn cảnh điện ảnh châu Á”, “Điện ảnh Việt Nam hôm nay”… cũng góp phần đem lại góc nhìn đa chiều về điện ảnh khu vực và trong nước.

Sức hấp dẫn của DANAFF IV không chỉ nằm ở các buổi chiếu phim hay Lễ Khai mạc, Lễ Bế mạc – Trao giải tại Cung Hội nghị quốc tế Ariyana, mà còn ở chiều sâu chuyên môn. Liên hoan phim năm nay chú trọng các hoạt động đào tạo và kết nối, với nhiều hội thảo quốc tế và chương trình phát triển dự án.

Đáng chú ý, khu vực “Vườn ươm Dự án – DANAFF Talents” trở lại với hình thức mới, gồm “Script Lab” dành cho các dự án phim Việt Nam nhằm nâng cao chất lượng kịch bản, phối hợp cùng Trường Đại học Columbia (Hoa Kỳ).

Bên cạnh đó là chương trình phát triển dự án phim nghệ thuật châu Á, kết hợp với PaS ASEAN Workshop, với sự đồng hành của các tổ chức quốc tế như Bộ châu Âu và Ngoại giao Pháp, Viện Pháp tại Việt Nam và Trung tâm Điện ảnh Quốc gia Pháp (CNC).

Lần đầu tiên, “DANAFF Industry Days” được tổ chức, tạo không gian kết nối giữa các nhà sản xuất, đạo diễn, đơn vị phát hành và nhà đầu tư thông qua các tọa đàm và hoạt động gặp gỡ trực tiếp.

Việc mở rộng các chương trình này cho thấy định hướng rõ ràng của DANAFF IV trong việc xây dựng hệ sinh thái điện ảnh bền vững, gắn kết đào tạo, sáng tạo, sản xuất và thị trường.

Bên cạnh các hoạt động chuyên môn, DANAFF IV tiếp tục duy trì sự kết nối với công chúng thông qua chuỗi sự kiện bên lề giàu màu sắc.

Các buổi chiếu phim ngoài trời, giao lưu với nghệ sĩ vẫn được tổ chức, đồng thời ra mắt chương trình mới “DANAFF’s Cinephiles” dành cho cộng đồng yêu điện ảnh tại Đà Nẵng. Những hoạt động này góp phần lan tỏa không khí lễ hội sôi động, đưa điện ảnh đến gần hơn với khán giả.

Nguồn: Báo văn hoá

The post Liên hoan phim châu Á Đà Nẵng 2026 – điểm hẹn của những chương trình đặc sắc appeared first on Trung tâm Điện ảnh Văn hóa, Thể thao và Du lịch Việt Nam.

Với người làm phim, đây không chỉ là dịp tổng kết công việc, mà còn là một không gian sinh hoạt nghề nghiệp giàu ý nghĩa – nơi các thế hệ nghệ sĩ gặp gỡ, trao đổi và tiếp nối những kinh nghiệm quý báu của nghề.

Các đạo diễn, quay phim của Hãng phim Tài liệu và Khoa học Trung ương tác nghiệp tại một sự kiện lớn của đất nước.

Sự kết nối giữa các thế hệ làm phim

Đạo diễn, NSƯT Trịnh Quang Tùng, Phó Tổng Giám đốc Hãng phim Tài liệu và Khoa học Trung ương chia sẻ: “Chúng tôi tổ chức hoạt động này để xem lại các tác phẩm đã làm được, đánh giá chất lượng và rút ra những kinh nghiệm cần thiết cho năm sau. Đó là điều quan trọng nhất”.

Ông cho biết, năm 2025, Hãng sản xuất được 37 bộ phim, con số cao nhất từ trước tới nay. Vì vậy, các buổi chiếu được chia thành nhiều ngày, mỗi ngày trình chiếu khoảng 10 tác phẩm để bảo đảm tất cả đều được xem lại. Điều đặc biệt của đợt chiếu phim nội bộ không chỉ những người đang làm việc tại Hãng, nhiều đạo diễn và quay phim kỳ cựu đã nghỉ hưu vẫn được mời tham dự. Sự hiện diện của họ đã tạo nên sự kết nối quan trọng giữa các thế hệ làm phim.

Đạo diễn Khánh Luông, dù đã nghỉ hưu hơn một thập kỷ, vẫn đều đặn trở về “ngôi nhà chung”. Với ông, phim tài liệu cũng như bất kỳ loại hình nghệ thuật nào đều cần sự đổi mới. Bản chất của điện ảnh có thể không thay đổi, nhưng cách tiếp cận và cách thể hiện phải liên tục được làm mới để phù hợp với bối cảnh hiện đại. “Ngày nay, khán giả có rất nhiều lựa chọn. Nếu phim không đủ hấp dẫn, họ sẽ lập tức chuyển sang kênh khác. Vì vậy, người làm phim phải luôn nghĩ đến khán giả”, ông nói.

Những nhận xét thẳng thắn từ các nghệ sĩ đi trước chính là bài học quý giá cho thế hệ đạo diễn trẻ. Hiện nay, lực lượng sáng tác của Hãng chủ yếu là các đạo diễn 8x và 9x. Đây là thế hệ năng động, có khả năng tiếp cận nhanh với những vấn đề nóng của xã hội, đồng thời cũng sẵn sàng thử nghiệm những cách kể chuyện mới.

Đạo diễn, quay phim Đào Đức Thanh, người tham gia thực hiện nhiều bộ phim trong năm qua chia sẻ: “Việc trình chiếu toàn bộ tác phẩm trong không gian tập thể mang lại những giá trị nghề nghiệp đặc biệt. Sau một năm lao động miệt mài, khi cùng nhau ngồi lại xem phim của mình và của đồng nghiệp, chúng tôi có cảm giác như đang nhìn lại cả một hành trình sáng tạo vừa đi qua. Khi đứng ở vị trí của khán giả, mỗi đạo diễn có thể nhận ra những điểm mạnh và hạn chế trong phim mình; đồng thời, việc xem phim của đồng nghiệp cũng mở ra nhiều góc nhìn mới trong cách tiếp cận đề tài và cách kể chuyện”.

Những ý kiến góp ý được đưa ra với tinh thần xây dựng, nhằm giúp mỗi người hoàn thiện hơn trong nghề. Không chỉ đạo diễn, các bộ phận khác như quay phim, dựng phim, âm thanh hay biên kịch cũng tham gia tích cực vào quá trình trao đổi. Điều này phản ánh đặc trưng của điện ảnh – một loại hình nghệ thuật mang tính tập thể, nơi mỗi bộ phim là kết quả của sự phối hợp giữa nhiều cá nhân và nhiều bộ phận sáng tạo.

Đối với Ban lãnh đạo Hãng, việc xem lại toàn bộ các bộ phim trong năm cũng giúp có cái nhìn tổng thể về định hướng sáng tác. Qua đó, có thể nhận thấy những xu hướng mới, những cách tiếp cận mới cũng như những vấn đề cần được quan tâm trong năm tiếp theo.

Kỳ vọng phim tài liệu đến gần với khán giả

Sau mỗi đợt chiếu phim nội bộ, một câu hỏi lớn vẫn luôn day dứt: Làm thế nào để phim tài liệu thực sự đến gần hơn với khán giả? Đây không phải là trăn trở nhất thời, mà là bài toán kéo dài nhiều năm trong giới làm nghề. Bởi dù mang trong mình giá trị tư liệu và nghệ thuật đậm đặc, phim tài liệu vẫn gặp không ít rào cản trong việc tiếp cận công chúng.

Đạo diễn Khánh Luông nhận định, điều quan trọng nhất để một bộ phim tài liệu có thể thu hút khán giả chính là chất lượng của bộ phim. “Phim phải hay đã. Nếu bản thân bộ phim không hấp dẫn thì dù có quảng bá đến đâu cũng khó giữ được người xem”, ông nhận định.

Quan điểm này cũng được nhiều đạo diễn trẻ chia sẻ. Họ cho biết, trong bối cảnh truyền thông hiện nay, khán giả ngày càng có yêu cầu cao hơn về cách kể chuyện. Thực tế cho thấy, trong năm vừa qua, nhiều bộ phim của Hãng đã thử nghiệm những cách làm mới, chú trọng hơn đến yếu tố cảm xúc và tính điện ảnh. Từ hình ảnh, âm thanh cho tới nhịp điệu dựng phim đều có sự cải tiến vượt bậc so với trước đây. Bên cạnh những chủ đề quen thuộc như lịch sử cách mạng, chân dung nhân vật hay tình yêu quê hương đất nước, nhiều bộ phim đã khai thác những vấn đề đương đại như môi trường, chuyển đổi số, công nghệ hay đời sống đô thị…

Theo ông Trịnh Quang Tùng, phần lớn các bộ phim trong năm vừa qua đều đạt chất lượng tốt. Nhiều đạo diễn đã có những bước tiến rõ rệt trong cách tiếp cận đề tài và cách kể chuyện. Điều này cho thấy thế hệ làm phim trẻ đang dần tìm được tiếng nói riêng của mình. Tuy nhiên, để phim tài liệu thực sự đến gần với khán giả, chất lượng tác phẩm thôi là chưa đủ, và một trong những thách thức lớn là cơ chế phát hành.

Hiện nay, phần lớn phim của Hãng được sản xuất theo đặt hàng của Nhà nước. Sau khi hoàn thành, việc phát hành thường phải thông qua nhiều khâu quản lý, khiến quá trình đưa phim đến với công chúng đôi khi bị chậm trễ. Trong khi đó, thời đại số đang mở ra nhiều cơ hội mới cho việc phổ biến phim. Các nền tảng trực tuyến, mạng xã hội hay hệ thống truyền hình số có thể trở thành những kênh phát hành hiệu quả, giúp phim tài liệu tiếp cận khán giả rộng rãi hơn.

Không ít nghệ sĩ cho rằng, nếu có cơ chế linh hoạt hơn, những tác phẩm có giá trị sẽ có cơ hội đến với công chúng sớm hơn. Bên cạnh vấn đề phát hành, việc đầu tư trang thiết bị cũng là một yếu tố quan trọng. Trong bối cảnh công nghệ làm phim thay đổi nhanh chóng, việc cập nhật thiết bị mới sẽ giúp đội ngũ sáng tạo nâng cao chất lượng hình ảnh và âm thanh.

Dù vẫn còn nhiều khó khăn, nhưng những người làm nghề tại Hãng phim Tài liệu và Khoa học Trung ương kiên định niềm tin vào con đường mà mình theo đuổi. Bởi hơn ai hết, họ hiểu rằng mỗi bộ phim là một lát cắt của hiện thực, là câu chuyện về con người và thời đại. Và khi những câu chuyện ấy được kể bằng ngôn ngữ điện ảnh hấp dẫn, chúng sẽ dễ dàng chạm đến trái tim khán giả. Đó cũng chính là kỳ vọng của các nghệ sĩ khi tổ chức chiếu phim nội bộ: Không chỉ để nhìn lại những gì đã làm được, mà còn để chuẩn bị cho những hành trình sáng tạo mới.

Trích nguồn: Báo Văn hóa – TG Thảo Nguyên

The post Không chỉ là câu chuyện chất lượng appeared first on Trung tâm Điện ảnh Văn hóa, Thể thao và Du lịch Việt Nam.

Ngay trước thời điểm chính thức công chiếu, Quỷ Nhập Tràng 2 đã tạo nên cột mốc chưa từng có trong lịch sử dòng phim kinh dị Việt Nam khi vượt mốc 90.000 vé bán sớm với doanh thu hơn 6,4 tỷ đồng, trở thành phim kinh dị Việt có lượng vé đặt trước cao nhất mọi thời đại. Thành tích này không chỉ vượt qua kỷ lục của phần đầu mà còn cho thấy sức hút mạnh mẽ của thương hiệu từng gây chấn động phòng vé năm 2025

Quỷ Nhập Tràng 2 vừa lập kỷ lục vé bán sớm của dòng phim kinh dị Việt

Ngay từ khi hệ thống rạp trên toàn quốc mở bán vé, nhiều suất chiếu sớm đã nhanh chóng kín chỗ chỉ sau thời gian ngắn. Theo ghi nhận từ các cụm rạp, suất chiếu đặc biệt ngày 12/3, trước ngày công chiếu chính thức 13/3, liên tục cháy vé, cho thấy mức độ quan tâm lớn của khán giả đối với phần phim tiền truyện được mong đợi này.

Thành tích ấn tượng này đến trong bối cảnh phần đầu của Quỷ Nhập Tràng từng đạt hơn 150 tỷ đồng doanh thu, trở thành phim kinh dị Việt ăn khách nhất lịch sử. Khi ra mắt vào năm 2025, bộ phim gây bão phòng vé nhờ câu chuyện tâm linh nặng đô, không khí rùng rợn đậm màu sắc văn hóa bản địa và màn thể hiện đầy ám ảnh của Khả Như.

Sự thành công đó đã tạo nền tảng vững chắc để ê-kíp tiếp tục phát triển phần hai. Lần trở lại này, đạo diễn Pom Nguyễn chọn hướng đi khác khi đưa câu chuyện quay ngược thời gian, khai thác quá khứ của nhân vật Minh Như và những bí mật đen tối ẩn giấu trong gia đình cô.

Trong Quỷ Nhập Tràng 2, Minh Như (Khả Như) trở về xưởng nhuộm của gia đình sau nhiều năm bị xua đuổi. Những ký ức tưởng chừng đã bị chôn vùi bất ngờ trỗi dậy khi hàng loạt hiện tượng ma quái liên tiếp xảy ra. Cô buộc phải đối diện với sự thật về cái chết bí ẩn của mẹ, cùng một giao ước đẫm máu trong quá khứ đã kéo cả gia tộc vào vòng xoáy lời nguyền.

Bi kịch bắt đầu khi Mỹ Ngọc (Ngọc Hương), em gái của Minh Như, bị một thế lực tà ác chiếm giữ. Từ đó, những sự kiện kinh hoàng liên tiếp xảy ra trong gia đình, biến ngôi nhà quen thuộc thành nơi chứa đựng nỗi sợ hãi.

Ngoài Khả Như, phần hai tiếp tục có sự góp mặt của Quang Tuấn, Vân Dung, Doãn Quốc Đam, Đào Anh Tuấn, Phương Bình cùng gương mặt mới Ngọc Hương. Sự kết hợp giữa dàn diễn viên thực lực và những nhân tố mới được kỳ vọng mang lại màu sắc khác biệt cho phần phim lần này.

Khả Như tiếp tục chứng minh khả năng diễn xuất trong những phân đoạn tâm lý nặng, khi nhân vật Minh Như phải giằng xé giữa nỗi sợ hãi và những bí mật quá khứ. Trong khi đó, Quang Tuấn, được khán giả gọi là “ông hoàng kinh dị” của màn ảnh Việt, vẫn để lại dấu ấn với những khoảnh khắc căng thẳng và đầy ám ảnh.

Lần tái xuất này, Quỷ Nhập Tràng 2 được gắn nhãn T18, cho thấy mức độ kinh dị được đẩy lên rõ rệt. Bên cạnh yếu tố tâm linh, phim còn đào sâu vào mối quan hệ gia đình, những bí mật bị che giấu và hệ quả của những lựa chọn sai lầm trong quá khứ.

Bối cảnh xưởng nhuộm với những tấm vải treo lơ lửng trong không gian u tối tạo nên hiệu ứng thị giác đặc biệt, giúp tăng cảm giác rùng rợn và bí ẩn cho câu chuyện. Nhạc nền, âm thanh bất ngờ cùng các hiệu ứng hình ảnh được đầu tư kỹ lưỡng nhằm mang đến trải nghiệm điện ảnh mạnh mẽ hơn cho khán giả.

Không chỉ gây chú ý bởi yếu tố kinh dị, bộ phim còn được đánh giá cao khi tiếp tục khai thác văn hóa tâm linh Việt Nam và những câu chuyện dân gian quen thuộc, tạo nên bản sắc riêng cho dòng phim kinh dị nội địa.

Trong buổi premiere diễn ra tại TP.HCM, sự kiện đã thu hút nhiều nghệ sĩ, đạo diễn và nhà sản xuất trong ngành điện ảnh đến chúc mừng ê-kíp. Không khí thảm đỏ sôi động cho thấy sức hút của thương hiệu Quỷ Nhập Tràng đối với cả giới chuyên môn lẫn khán giả.

Những phản hồi đầu tiên từ các suất chiếu báo chí cho thấy phần hai “nặng đô” hơn rõ rệt, với nhiều cảnh hù dọa, trục quỷ và những phân đoạn rùng rợn khiến khán phòng liên tục vang lên tiếng giật mình.

Từ một hiện tượng phòng vé năm 2025, Quỷ Nhập Tràng giờ đây đang dần trở thành thương hiệu kinh dị hàng đầu của điện ảnh Việt. Với kỷ lục mới này, Quỷ Nhập Tràng 2 đang được kỳ vọng sẽ tiếp tục nối dài chuỗi thành tích ấn tượng của dòng phim kinh dị Việt Nam tại phòng vé.

Theo Ngọc Hân – Saostar.vn

The post Quỷ Nhập Tràng 2 lập kỷ lục mới cao nhất lịch sử về phim kinh dị Việt appeared first on Trung tâm Điện ảnh Văn hóa, Thể thao và Du lịch Việt Nam.

Trí tuệ nhân tạo đang buộc ngành điện ảnh phải xem lại toàn bộ cấu trúc sản xuất vốn tồn tại hơn một thế kỷ. Khi chi phí có thể được cắt giảm, quy trình được tinh gọn và rào cản gia nhập thị trường bị hạ thấp, AI mở ra một chương mới cho điện ảnh.

Nhưng cùng lúc đó, ngành công nghiệp này cũng đứng trước câu hỏi cốt lõi: Làm thế nào để tận dụng công nghệ mà vẫn giữ được chất điện ảnh truyền thống?

AI và cuộc tái cấu trúc chuỗi giá trị điện ảnh

Trong hơn một thế kỷ, điện ảnh vận hành theo một mô hình gần như bất biến: muốn có hình ảnh lớn phải có nguồn lực lớn. Phim trường, thiết bị quay, hệ thống ánh sáng, đội ngũ hàng trăm nhân sự và nhiều năm hậu kỳ là điều kiện gần như mặc định. Những bom tấn như “Avatar” hay “Doctor Strange” tiêu tốn hàng trăm triệu USD và hàng nghìn cảnh kỹ xảo, trở thành biểu tượng của một nền công nghiệp dựa trên quy mô vốn và nhân lực. Điện ảnh, xét đến cùng, là cuộc chơi của những người đủ tiềm lực.

Sự xuất hiện của trí tuệ nhân tạo đang thách thức trực tiếp cấu trúc đó. Khi một bộ phim có thể được xây dựng từ các thuật toán, khi bối cảnh và nhân vật được tạo bằng “dòng lệnh” thay vì máy quay và diễn viên thật, câu hỏi không còn là công nghệ có khả thi hay không mà là mô hình sản xuất truyền thống có còn giữ vị thế độc tôn.

Các con số cho thấy đây không phải hiện tượng nhất thời. Thị trường AI trong sản xuất phim và video toàn cầu ước đạt khoảng 3,2 tỷ USD năm 2024, với tốc độ tăng trưởng hơn 25%/ năm, dự báo vượt 20 tỷ USD vào đầu thập kỷ tới. Tốc độ này vượt xa nhịp tăng trưởng trung bình của nhiều lĩnh vực giải trí khác, cho thấy AI đang hình thành một phân khúc kinh tế độc lập trong ngành công nghiệp điện ảnh. Việc ứng dụng AI vào hậu kỳ có thể giúp tiết kiệm 20 – 40% chi phí kỹ xảo, đồng nghĩa với việc cấu trúc chi phí, vốn là rào cản lớn nhất, đang bị tái định nghĩa.

Điều thay đổi không chỉ là công cụ mà còn là tương quan quyền lực trong ngành. Khi chi phí sản xuất giảm và thời gian hoàn thiện rút ngắn, rào cản gia nhập thị trường được hạ thấp. Những nhà làm phim độc lập, nhóm sáng tạo trẻ hoặc startup nội dung vốn đứng ngoài cuộc chơi vốn lớn có thêm cơ hội tham gia. AI vì thế không chỉ là tiến bộ kỹ thuật mà còn là yếu tố làm dịch chuyển cấu trúc cạnh tranh.

Tại Việt Nam, bối cảnh càng làm rõ xu hướng này. Doanh thu phòng vé trong nửa đầu năm 2025 vượt 3.000 tỷ đồng, với phim nội địa chiếm khoảng 70% thị phần, một tín hiệu cho thấy thị trường đang mở rộng nhanh. Tuy nhiên, đi cùng tăng trưởng là áp lực đầu tư. Một phim thương mại có thể tiêu tốn vài chục tỷ đồng, trong khi tỷ lệ rủi ro doanh thu luôn cao. Trong bối cảnh đó, AI xuất hiện như một phương án giảm thiểu chi phí và rủi ro tài chính.

Các dự án như phim “Mã thức tỉnh” hay phim “Áo trắng sau đêm trắng” ứng dụng AI ở mức độ toàn phần, cùng những thử nghiệm như phim “Chốt đơn”, cho thấy công nghệ đã bước vào thực tiễn sản xuất. Dù chưa tạo ra thành công doanh thu nổi bật, những dự án này mang ý nghĩa lớn hơn kết quả phòng vé, bởi chúng đặt nền móng cho một phương thức sản xuất mới.

Vấn đề cốt lõi là AI đang tái cấu trúc chuỗi giá trị của điện ảnh. Thay vì phụ thuộc hoàn toàn vào phim trường vật lý và đội ngũ kỹ xảo đông đảo, quy trình có thể được tinh gọn. Thay vì mất nhiều tháng dựng bối cảnh giả tưởng, nhà làm phim có thể thử nghiệm nhanh, điều chỉnh linh hoạt và tối ưu nguồn lực. Điều đó không đồng nghĩa với việc con người bị thay thế mà là vai trò của con người được dịch chuyển từ lao động kỹ thuật nặng tính thủ công sang tư duy sáng tạo và kiểm soát ý tưởng. Ở bình diện ngành, AI không đơn thuần là một trào lưu công nghệ. Nó là lực đẩy khiến điện ảnh phải xem lại cách tổ chức sản xuất, phân bổ chi phí và tiếp cận khán giả. Với điện ảnh Việt Nam, đây có thể là cơ hội rút ngắn khoảng cách với xu hướng toàn cầu nếu công nghệ được khai thác như một công cụ chiến lược thay vì một chiêu thức gây tò mò.

Điện ảnh từng được định nghĩa bởi quy mô đầu tư. AI đang buộc ngành công nghiệp này cân nhắc một định nghĩa khác: hiệu quả, linh hoạt và khả năng hiện thực hóa ý tưởng với chi phí thấp hơn. Chính ở điểm giao thoa đó, một cấu trúc sản xuất mới đang dần hình thành.

Điện ảnh đứng trước thử thách của thuật toán

Khi công nghệ giúp việc làm phim trở nên nhanh hơn, rẻ hơn và dễ tiếp cận hơn, một ranh giới mới xuất hiện: ranh giới giữa “tận dụng” và “lạm dụng”.

Lạm dụng AI không chỉ đơn thuần là cắt giảm chi phí sản xuất một cách cực đoan. Nguy cơ lớn hơn nằm ở sự đình trệ trong tư duy nghệ thuật, khi công nghệ được sử dụng như lối tắt thay cho chiều sâu sáng tạo. Điện ảnh vốn đòi hỏi sự nhất quán về hình tượng, cảm xúc và nhịp kể chuyện qua hàng trăm cảnh quay. Nhưng với AI, chỉ cần lệch một dòng lệnh hoặc một tham số nhỏ, khuôn mặt nhân vật có thể biến dạng, phá vỡ tính liên tục, yếu tố sống còn của ngôn ngữ điện ảnh.

Dự án phim AI dài 75 phút “Maria – A Love Beyond Time” của tác giả Hoàng Vỹ (Lucas AI) là một ví dụ điển hình cho tranh luận này. Thực hiện trong vỏn vẹn hai tháng, bộ phim gây tranh cãi từ khâu xây dựng hình tượng đến kết cấu kịch bản. Việc đưa gương mặt vợ chồng tác giả vào vai các vương tộc Ai Cập với những cái tên như “Pharaoh Lucas” và “Nữ hoàng Bella” khiến khán giả khó chấp nhận về mặt thẩm mỹ. Kết phim thiếu logic, hình ảnh đôi lúc biến dạng, biểu cảm nhân vật đơ cứng. Những lỗi kỹ thuật và kịch bản này cho thấy tốc độ sản xuất nhanh chưa thể thay thế chiều sâu nghệ thuật.

Tuy nhiên, vấn đề không nằm ở bản thân công nghệ mà ở cách sử dụng nó. Tại Việt Nam, nhiều chuyên gia đã lên tiếng một cách thận trọng. Đạo diễn Mai Phương cùng các chuyên gia hậu kỳ cho rằng AI nên được xem là công cụ hỗ trợ chứ không thể thay thế con người. Theo họ, AI có thể xử lý các công việc lặp lại, tối ưu quy trình và tiết kiệm thời gian, nhưng cảm xúc và quyết định nghệ thuật cuối cùng vẫn phải đến từ nghệ sĩ thật, bởi sáng tạo không chỉ là thao tác kỹ thuật mà là sự kết tinh của trải nghiệm và cảm quan cá nhân.

Anh Minh Lợi, nhà sáng lập Lumination cho rằng AI có những giới hạn rõ rệt. Công nghệ có thể tạo ra hình ảnh ấn tượng, nhưng để khán giả thực sự rung động trước từng khung hình vẫn cần bàn tay và kinh nghiệm của đạo diễn. Nhịp điệu câu chuyện, chiều sâu nhân vật, tiết tấu cảm xúc là những yếu tố không thể được quyết định hoàn toàn bởi thuật toán.

Tranh luận trong nước vì thế không chỉ dừng ở kỹ thuật mà chạm tới câu hỏi cốt lõi: làm thế nào để giữ được giá trị độc bản của tác phẩm trong thời đại số? Nhiều nhà làm phim cảnh báo rằng nếu AI bị lạm dụng, điện ảnh có nguy cơ bị “làm phẳng” cảm xúc, trở thành dạng “giải trí nhanh”, gây tò mò nhất thời nhưng thiếu chiều sâu và dư âm.

Quan điểm này cũng tương đồng với cách tiếp cận của các hãng phim quốc tế. Đầu tháng 2/2026, Amazon MGM Studios ra mắt xưởng phim AI nhằm tối ưu chi phí và đẩy nhanh sản xuất. Tuy nhiên, Giám đốc Albert Cheng khẳng định AI có thể thúc đẩy quá trình sáng tạo nhưng không thể thay thế những khía cạnh độc đáo mà con người mang lại. Thông điệp này cho thấy ngay cả những tập đoàn công nghệ giải trí lớn cũng nhìn nhận AI như một công cụ, không phải trung tâm.

Cốt lõi của điện ảnh không chỉ nằm ở hình ảnh và kỹ xảo mà ở sự kết nối giữa người với người. Một ánh mắt xuất thần, một giọng nói run rẩy vì xúc động, một khoảnh khắc đời sống tự nhiên là những giá trị hình thành từ trải nghiệm thực tế, điều mà AI có thể mô phỏng nhưng chưa thể tự thân trải nghiệm.

AI giúp tiết kiệm chi phí, rút ngắn thời gian và mở rộng cơ hội cho những nhà làm phim trẻ. Nhưng điện ảnh vẫn phải là không gian nơi con người chạm vào cảm xúc của con người. Ranh giới giữa tận dụng và lạm dụng phụ thuộc vào đạo đức nghề nghiệp và ý thức sáng tạo của người làm phim. Công nghệ có thể đảm nhiệm phần kỹ thuật, còn con người phải giữ lại phần linh hồn.

Phim AI không phải dấu chấm hết cho điện ảnh truyền thống. Ngược lại, đó là một chương mới đầy cơ hội nhưng cũng không ít thách thức. Điều quan trọng là không để sự tiện lợi của thuật toán làm lu mờ bản chất của nghệ thuật. Bởi dù công nghệ tiến xa đến đâu, khán giả vẫn tìm kiếm sự thật trong cảm xúc, và sự thật ấy chỉ nảy nở từ trải nghiệm sống của con người.

Nguồn Bảo Phương – cand.com.vn

The post Phim AI có phải dấu chấm hết cho điện ảnh truyền thống? appeared first on Trung tâm Điện ảnh Văn hóa, Thể thao và Du lịch Việt Nam.